Many people, it seems, have a love-hate relationship with the place they come from. How many of us love Montreal for its culture, its multiculture, its art, but hate the crumbling infrastructure, the mismanaged taxes and the corruption? But would we live anywhere else? If we found old photographs of Montreal — photographs that would make us rediscover known places; places we stopped noticing a long time ago — would we fall in love with the city all over again? François is a successful architect in Paris. Like many people from Saint-Pierre et Miquelon — the French archipelago off the coast of Newfoundland — he left the islands after high school to study in France.

He comes back once in a while to recharge his creativity, but he never stays very long. During one of his visits, he connects with his best friends’ daughter, Émilie, a kindred spirit with whom he shares a great deal of sensitivity and introspection. They can almost read each others’ minds. One day, they discover photographs of Saint-Pierre et Miquelon taken before and after the Great War by docteur Thomas, a French military physician posted on the archipelago. Intrigued by what they sense from the photographs — the doctor’s love of the islands as well as sadness and despair — François and Émilie decide to find out who this docteur Thomas was.

Winner of this year’s Prix des lecteurs Radio-Canada, L’archipel du docteur Thomas is Françoise Enguehard’s third novel. A Saint-Pierre et Miquelon native who now lives in  St. John’s, Newfoundland, Enguehard delivers a delightful book that allows readers to immerse themselves in a world they know very little about, even though it’s a mere 10 kilometres away from Canada. Not only is the story itself interesting, but the history of the archipelago, uncovered by the characters’ research, is fascinating, and the “Canadianness” of these French islands is particularly surprising. French as they may be, Enguehard’s characters still play hockey, build houses that withstand harsh winters and shop at large stores like Sears. These realities separate them from the French continent, which they also seem to both love and hate.

Enguehard’s writing is simple and straightforward yet somewhat poetic, pulling readers into the story and the beauty of the archipelago. Unfortunately, Enguehard (or her editor) italicizes words that aren’t common in standard French, i.e., words that have a particular French-Canadian meaning, which tends to be jarring. When inviting their readers into a new world, deft writers shouldn’t feel the need to explain words that are an integral part of that world. This habit of making French-Canadian words stand out pulls readers away from the story and breaks the magic.

Maudlin at times, L’archipel du docteur  Thomas is nonetheless touching and compelling. If you don’t have the opportunity to travel this summer, don’t hesitate to take a short trip to Dr. Thomas’s archipelago.

Mélanie Grondin is a writer and translator whose work has appeared in carte blanche, Room, Nashwaak Review and other literary magazines. Mélanie is also associate editor at the Montreal Review of Books.

Vous êtes-vous déjà demandé comment les gens réussissaient à voir une pièce de théâtre avant la venue de l’électricité? Shakespeare in Love de John Madden montre un théâtre à ciel ouvert où les acteurs tirent profit de la lumière du jour pour présenter leur pièce. Cyrano de Bergerac de Jean-Paul Rappeneau et Beaumarchais, l’insolent de Édouard Molinaro, quant à eux, montrent bel et bien un théâtre intérieur, mais avec toutes les projecteurs requis pour filmer la scène, peut-on vraiment sentir l’effet qu’ont 2 000 chandelles?

Vous pouvez maintenant le savoir. Pour la toute première fois depuis le 18e siècle, une troupe de théâtre professionnelle nord-américaine présente une pièce sous le feu des chandelles seulement — L’Avare de Molière mis en scène par Serge Postigo — et le jeu en vaut la chandelle.

Harpagon (Luc Guérin) est un vieil avare qui croit que tout le monde le vole, ou cherche à le voler, et qui enfouit son argent adoré dans le jardin. Ses enfants, Cléante (Bruno Marcil) et Élise (Salomé Corbo), sont amoureux de Mariane (Sophie Desmarais) et de Valère (Éric Bruneau) respectivement et cherchent un moyen d’amadouer leur père à l’idée qu’ils souhaitent épouser des gens sans le sou. Mais le père décide d’épouser lui-même Mariane et de marier Élise à un vieillard qui ne demande pas de dot et Cléante à une veuve. Malheureux, les jeunes gens cherchent un moyen de berner ou de convaincre Harpagon. Le climax n’est pas celui prévu même si le dénouement heureux est inévitable — c’est une comédie, après tout.

Une fois de plus, le Festival Juste pour rire a su présenter une comédie qui émerveille, étonne et accentue le talent de nos comédiens. Chaque comédien est parfait dans le rôle qui lui a été assigné : Harpagon ne pourrait être joué par un autre acteur que Guérin, et Karine Belly dans le rôle de Frosine est imposante à souhait. Même les chandelles jouent un rôle : elles sont les confidentes des apartés d’Harpagon et les acteurs n’hésitent pas à interagir avec elles. Dans la relativement petite salle qu’est celle du Monument-National, leur lueur rend la pièce intime.

Tout de cette pièce est traditionnel : des costumes du 17e siècle (conçus par Denis Lavoie) aux musiciens présents sur scène (Jean-François Groulx et Robin Boulianne) en passant par des chandeliers innombrables et autres décors qu’on imaginerait facilement au temps de Molière. Cet aspect traditionnel est apaisant et permet aux spectateurs de se perdre complètement dans la magie du théâtre.

L’Avare mis en scène par Serge Postigo est un délice à voir absolument.

L’Avare joue au Monument-National jusqu’au 25 juillet.

Imaginez un instant que vous assistez à une messe catholique pour la toute première fois sans que vous sachiez quoi que ce soit de la religion catholique. Vous saurez sûrement en apprécier certains aspects — la musique, peut-être, l’encens, les fresques —, mais savez-vous pourquoi les gens s’agenouillent, s’asseyent et se lèvent ainsi? Comprenez-vous le sens de ce que dit le prêtre et le but de ses paroles? Et l’eucharistie? Saurez-vous déceler l’importance de l’eucharistie?

Maintenant, imaginez que vous assistez à un théâtre dansé cérémoniel maya datant d’avant Christophe Colomb. Les costumes et les masques sont flamboyants, le mouvement et le rythme de la pièce sont enchanteurs, mais à quoi servent ses roches qui représentent des pierres précieuses? Le guerrier maya emprisonné, représente-t-il une vérité universelle quelconque?

En ce qui concerne son volet « théâtre », Xajoj Tun Rabinal Achi raconte l’histoire d’un guerrier maya, Kawek K’iché, qui se fait capturer par son ennemi, subit un procès puis se fait exécuter. Jusque-là, ça va. Bien qu’une partie du texte est dite en Achi — langue maya du Guatemala —, particulièrement les paroles déclamées par Job Toj, le seigneur qui a capturé Kawek K’iché, il est possible de suivre le récit grâce à des techniques astucieuses qui font en sorte que le texte est répété en français sans rendre la pièce monotone.

Pour le volet « danse », ça va aussi. Nous sommes tout de même habitués à La La La Human Steps. C’est concernant le volet « cérémoniel » que ça se complique parce qu’en l’absence de contexte et d’explication, c’est à n’y rien comprendre. Le site Web du Festival Présence Autochtone explique : « À chacune des représentations, l’histoire nous est révélée d’une façon différente à travers des éléments précis : les pierres, les masques et les costumes, les instruments de musique, les objets rituels et le texte, tous, porteurs de la mémoire des ancêtres et de la magie du fondement culturel propre à toutes les cultures amérindiennes. » Mais aucune explication quant à la mémoire desdits ancêtres ou l’histoire qui est révélée. Que représentent les pierres et les masques? Que devons-nous comprendre?

Présenté pour la première fois en Amérique du Nord, Xajoj Tun Rabinal Achi est un rituel du théâtre de cour des anciens Mayas transmis oralement de génération en génération. Jouée par Ondinnok, une compagnie théâtrale amérindienne, en collaboration avec Grupo Danza Drama Rabinal Achi, la troupe maya du Guatemala qui détient les droits du drame, la pièce est très intéressante. Les costumes sont fantastiques et le rituel, bien qu’il ne soit pas toujours compris, est fascinant.

C’est une pièce à ne pas manquer, ne serait-ce que pour découvrir une autre culture, une autre forme théâtrale, mais il est recommandé de faire quelques recherches sur Xajoj Tun Rabinal Achi avant de s’y rendre. Vous l’apprécierez sûrement beaucoup plus. Il est malheureux qu’un festival dont le but est de célébrer les cultures autochtones des trois Amériques et, sans doute, de présenter ces cultures aux non-Autochtones ne sente pas le besoin de bien expliquer un rituel quelque peu hermétique.

Xajoj Tun Rabinal Achi jour à l’eXcentris jusqu’au 27 juin. Billetterie : 514.814.8100. Pour plus de renseignements, veuillez consulter le site Web du Festival Présence Autochtone.

A few years ago, during the Blue Metropolis Montreal International Literary Festival, Yann Martel read an excerpt of his work in progress: The 20th-Century Shirt. Crumpled papers in hand, he tantalized the audience with a sneak peek at the anticipated follow-up to Life of Pi, winner of the 2002 Man Booker Prize. He left us with high expectations and imaginations running wild. Then, nothing—until today.

Henry, a successful writer whose last novel—which featured animals—won prizes and acclaim, wrote a book on the Holocaust. A flip book with a novel on one side and an essay on the other. But his editors don’t like it and don’t think it will sell: where will they put the barcode if the book has two covers? Does it go in the fiction or the non-fiction section? Distraught, Henry leaves town to start a new life with his wife; a life full of anything but writing. Then, one day, Henry receives a curious package from a man also named Henry who is asking for help with his play. After some time, Henry #1 (the writer) visits Henry #2, a taxidermist who happens to live in the same town. Working on the play—The 20th-Century Shirt, featuring Beatrice (a donkey) and Virgil (a howler monkey), survivors of the Horrors—Henry #1 soon realizes that Henry #2 succeeded in writing the Holocaust allegory he so wanted to create.

Martel’s latest novel, Beatrice & Virgil, feels like a revenge story: an author taking revenge on his editor for not wanting to publish the first version of his book. Full of the writer’s presence, Beatrice & Virgil exudes Yann Martel in that he never disappears from the novel and readers never lose themselves in the book. The main character Henry #1 is so obviously Martel that he distracts the reader from the novel. This is not a novel (good or bad) on the Holocaust, this is Yann Martel’s novel about the novel on the Holocaust he never published, and we never seem to forget that.

The beginning sounds like a fairy tale narrative (telling instead of showing) until the taxidermist and his play come on stage. The play is wonderful. Its lines are as succulent as the pear it describes (“Slice a pear and you will find that its flesh is incandescent white. It glows with inner light. Those who carry a knife and a pear are never afraid of the dark.”) or as dreadful as the Horrors they don’t name. Unfortunately, readers can’t quietly savour these wonderful lines as Henry #1 praises them, which sounds like Martel praising his own beautiful lines.

Beatrice & Virgil only makes readers yearn for the original 20th-Century Shirt. If the original novel sounded anything like the taxidermist’s play, then it would have been an incredible book. As it is, the story’s core is diluted by what feels like the writer’s self-absorption.

Mélanie Grondin is a writer and translator whose work has appeared in carte blanche, Room, Nashwaak Review and other literary magazines. Mélanie is also associate editor at the Montreal Review of Books.

Couper une pièce de théâtre en cinq et laisser de côté. Dans un grand bol, mélanger poèmes, chansons et extraits de nouvelles jusqu’à consistance homogène. Ajouter la crème d’acteurs, puis verser le mélange sur la pièce réservée. Cuire au four pendant deux heures. Servir chaud.

James Audubon Wilson de la Pétardière-Frenouilloux (Marc Béland) est un général en temps de paix. Il demeure chez sa mère qui lui noue sa cravate et lui donne une fessée quand il joue à la guerre avec ses petits amis généraux. Survient Léone Plantain (Sylvie Drapeau), la chef d’État, qui explique tant bien que mal que l’économie du pays souffre et qu’il faut une guerre pour retrouver l’équilibre économique. D’abord réticent — les généraux ne peuvent bien faire leur travail pendant la guerre, certains soldats se tuent à survivre, le général accepte d’organiser cette guerre lorsqu’il apprend que c’est un ordre. S’ensuit une réunion d’état-major avec trois autres généraux (Alain Zouvi, Pascale Montpetit et Emmanuel Bilodeau) aussi puérils qu’Audubon. Puis, ils invitent Monseigneur Roland Tapecul (Pierre Chagnon) dont l’appui est nécessaire pour faire accepter la guerre au peuple. Mais avec qui vont-ils la faire, cette guerre?

Le Goûter des généraux, une pièce en cinq actes de Boris Vian, forme la structure de base de Et Vian! dans la gueule, amalgame musical, poétique et pro-civil mis en scène par Carl Béchard. Parsemée de chansons (« Le Déserteur », « La Marche arrière ») et de poèmes (« Pourquoi je vis », « Je voudrais pas crever ») de Vian, la pièce forme un tout incongru, absurde, mais cohérent. Pensez Monty Python’s Flying Circus s’ils étaient Français et s’ils jouaient du jazz. Par contre, la transition d’un segment à l’autre est parfois abrupte et sans rythme.

Interprétée par un groupe d’acteurs dont la réputation n’est plus à faire (dont Marc Béland qui parvient à nous faire oublier l’absence de Pierre Lebeau, quoiqu’on ne peut s’empêcher d’imaginer Bénédicte Décary donner une fessée à Lebeau), la pièce montre le ridicule de la guerre alors nous nous trouvons actuellement au milieu d’une guerre absurde. Seul le son laisse à désirer. Mal équilibré, celui-ci empêche maintes fois le public de savourer le génie de Vian. Des chansons délicieuses comme « La Java des bombes atomiques » sont cachées derrière un rideau de musique trop dense et plusieurs jeux de mots typiques de Vian sont perdus dans les microphones mal positionnés.

Pièce fantastique, Et Vian! dans la gueule clôt parfaitement la saison. Une bonne introduction au talent de Vian, elle donne le goût de se plonger dans ses romans cet été en attendant la nouvelle saison.

Et Vian! dans la gueule joue jusqu’au 22 mai au Théâtre du Nouveau Monde.

Aristotle is travelling back to Pella, the capital of Macedon, where he spent most of his childhood. He intends to pay his respects to King Philip, a childhood friend, then move on to Athens where he will open up a school. (He’ll only head for Athens some 250 pages later.)

Upon arriving in Pella, Aristotle meets the young Alexander (a.k.a. “the Great”) and is convinced to stay on as his tutor even thought Aristotle’s wife, Pythias, doesn’t like the culture-less, misogynistic capital. As Aristotle tutors the future hegemon, he himself learns quite a bit about love, friendship, humanity and motherland.

The Golden Mean, Annabel Lyon’s first novel, winner of the Rogers Writers’ Trust Fiction Prize and a finalist for the Scotiabank Giller Prize, presents Aristotle as a truly flawed, realistic human being. Maybe it’s because of those marble busts — eyeless, emotionless — but I always thought that philosophers, particularly classical Greek philosophers, were aloof. But Lyon creates a character who cares, sometimes too much for his own good.

Slightly bipolar, Aristotle prefers locking himself up in his library, but he never draws back from helping the various characters in the novel when they need him. He never retreats from learning of any kind, even when Alexander invites him to work alongside the medics during the battle of Chaeronea, to teach him what “real life” was all about.

Though a historical novel, particularly one about a classical thinker, could have easily become didactic and overly descriptive, Lyon does find the golden mean — that is, the desirable middle between two extremes. Readers are immersed in ancient Macedonia without an excess of explanation. The few times Aristotle does wax philosophical, other characters interrupt him. In fact, Lyon perfectly illustrates Aristotle’s ideology through his way of being. Alexander even tells him: “All our years together, you’ve made your theories out of the accidents of your own life. You’ve built a whole philosophy around the virtue of being you.”

A strong first novel, The Golden Mean leaves readers wanting more, especially more of Aristotle’s relationship with Plato and of his time at Plato’s school in Athens. Offering a flawless balance of history and humanity, the novel — whose words flow effortlessly — is a wonderful read. Aristotle is memorable, and Lyon’s depiction of the immortal philosopher is more three-dimensional than any marble bust.

Combien de despotes sont devenus dictateurs grâce à leur charisme? Seraient-ils devenus des chefs aussi puissants sans leur habileté à charmer les foules, à les influencer et à les commander? Sans leur aptitude à se faire aimer — du moins, au début?

Christopher Stevenson (Gabriel Sabourin) est un acteur britannique vivant à Paris avec sa femme enceinte et son père. Champion d’échec, il se fait approcher par deux individus qui lui donnent comme mission (non optionnelle) de se rendre sur l’île d’Elbe sous le nom de Lieutenant Atwood et d’empoisonner Napoléon (Benoît Brière) qui y vit en exil. Atwood s’y rend, joue aux échecs avec l’Empereur et glisse de petites doses d’arsenic dans son vin lorsque ce dernier tourne le dos. Atwood est vite charmé par le petit général corse et le doute l’assaille : Napoléon est-il vraiment un tyran qui mérite d’être assassiné?

Écrite et mise en scène par Stéphane Brulotte avec l’assistance de Dominic Champagne, Une partie avec l’Empereur est la dernière pièce de la saison québécoise du théâtre Jean-Duceppe. Attendue avec impatience dès le début de la saison, la pièce ne comble pas les attentes, sauf en ce qui concerne le jeu de Benoît Brière. En effet, sa prestation en tant que Napoléon ne déçoit pas, particulièrement lorsque le personnage fait volte-face, passant d’un type sympathique qui captive même l’amour du public à un dictateur cruel qu’on ne peut que haïr. La gamme d’émotions vécue par l’assistance lorsqu’elle passe de l’amour à la haine est stupéfiante, mais les émotions s’arrêtent là.

Si de bons acteurs parlent avec leur corps autant — sinon plus — qu’avec leur bouche, les acteurs d’Une partie avec l’Empereur bougent très peu. Peut-être est-ce le texte qui les immobilise, qui ne leur laisse pas la place pour bouger, car, en effet, le texte est trop présent. Tout est expliqué : les états d’âme, l’action qui vient de se produire, les conséquences, tout. Rien n’est laissé à la découverte ou à la subtilité. Par exemple, à la fin d’une scène où Atwood découvre que la fiole d’arsenic qui se trouvait dans son veston a disparu, il s’écrit que son rêve devint alors in cauchemar. De tels détails narratifs sont superflus et évidents. Ils gardent la pièce superficielle. Ainsi, les acteurs — qui sont normalement hors pair — restent bidimensionnels dans leur incapacité à s’exprimer hors d’un texte handicapant.

De même, la musique de Michel Smith agit comme indicateur, désignant qu’ici le public doit être touché et là, angoissé, plutôt que comme amplificateur d’émotions que le public devrait déjà sentir, mais qu’il ne sent pas.

Présentée en collaboration avec le Théâtre il va sans dire, Une partie avec l’Empereur est une pièce prévisible dont les meilleures scènes comprennent des moments drôles servant à accentuer le charisme de l’Empereur.

Une partie avec l’Empereur joue au Théatre Jean-Duceppe jusqu’au 22 mai 2010.

When an author’s highly popular first novel is entitled Comment faire l’amour avec un nègre sans se fatiguer (How to Make Love to a Negro Without Getting Tired), readers expect sex, sex, sex, and more sex. And rightly so. When said first novel is shortly followed by Éroshima (Eroshima), then readers know that the author has no problem with sex. None whatsoever.

Fanfan, a seventeen-year-old boy living in Port-au-Prince during the Duvalier years, seduces Madame Saint-Pierre, the principal at his sister’s school, who suddenly feels as though she’s woken up. Fanfan, it must be added, also drives every girl crazy, making them backstab each other. Christina, a New Yorker whose husband Harry works at the American Embassy in Port-au-Prince, worries that her teenage daughter June is too much of a bookworm until she sees her having sex with their servant Absalom on the veranda. Charlie, Fanfan’s best friend, is particularly handsome and lives off the money and gifts he receives from various women. When his parents start having problems with their employers’ niece, Charlie decides to seduce the latter to lighten her up. Brenda, Ellen, Sue are some of the women who come to Haiti on erotic holidays. Some stay, other go back to unloving marriages, all feel alive for the first time in years.

Though presented as a novel, Dany Laferrière’s Heading South is a collection of oft-unconnected stories rife with sex. All kinds of sex. Sex for power, happiness, gain; sex to help the country’s economy. So much sex that the book doesn’t go anywhere, as though the sex itself is more important than the story, leaving readers unsatisfied despite the numerous orgasms on every page or so.

Just when a storyline seems to begin, when a recurring character makes a request or takes an action that could potentially develop into an actual story, nothing happens. Full of vignettes, Heading South just doesn’t have a story proper, and the exploration of the power of sex and desire, though interesting at first, becomes tiresome when the book doesn’t reach a climax.

While in L’énigme du retour Laferrière’s writing is sexy and evocative even when describing Haitian paintings, in Heading South, his seduction of the reader often seems to limit itself to actual sex-related scenes. His language ranges from pure porn (“He parts its fragile lips and, with a single, swift thrust, enters her”) to weird word choices: “I heard nothing but cries, chuckles, whimpering. A curious lexicon of onomatopoeias, chuckles, borborygmi. Then the keening of a wounded beast.”

Heading South is a recent translation of Vers le sud, originally published in 2006. Wayne Grady, a Governor-General’s-Award–winning translator, renders the text beautifully and flawlessly. The words flow as effortlessly as a teenager’s libido.

Dany Laferrière’s film Comment conqueror l’Amérique en une nuit, about a young Haitian’s experiences in Montreal, will be shown today (April 25) at 2 pm, as part of the Blue Metropolis literary festival, at the Delta Hotel, 777 University St. The film will be followed by a discussion with the author. For more information see www.bluemetropolis.org.

Mélanie Grondin is a writer and translator whose work has appeared in carte blanche, Room, Nashwaak Review and other literary magazines. Mélanie is also associate editor at the Montreal Review of Books.

A man living in exile more than half his life can either write for remembrance and comfort or go crazy. A man living in exile can only go home when the moment is right—whenever and if ever that moment occurs. Windsor loves taking baths; along with sleep, it helps him escape exile. In fact, he only feels at home in a hot bath, with a bottle of rum and a book of poems by Césaire at hand. That is, until he gets the phone call he’d unconsciously been waiting for: his father—who was also in exile, but in New York—is dead.

Windsor then hits the road and drives all over Québec, saying goodbye to his ice-covered land of exile, and heads for New York for the funeral of a father he’d only seen a handful of times as a child, yet whose power over him was undeniable. And because, he says, his father’s death won’t be real until his mother knows—his mother who is still living in Port-au-Prince, thinking of her husband every second of every minute—Windsor goes back to Haiti. He goes back to bring his father’s spirit home. He goes back to take the space finally left empty by the deceased father, his doppelganger.

The work of a mature writer, L’énigme du retour, winner of the Médicis prize in France, expertly combines poetry and prose. The shift from one genre to the other is seamless and the beauty of his words—each and every one of them chosen carefully—surrounds the reader like the warm water of a soothing bath. Describing Québec, he writes:

La glace brûle

plus profondement

que le feu

mais l’herbe se souvient

de la caresse du soleil.

Devoid of elaborate descriptions, Dany Laferrière’s haiku-like poems still manage to draw us into the different scenes he paints — because Laferrière is painting. He’s painting his beloved Haiti as it is and as he wants it to be, depicting a girl’s poverty while describing her elegance as she walks up a hill in the early hours of the morning with a plastic jug on her head to fetch water. In a paragraph that could easily be applied to his book, Laferrière writes:

J’ai toujours pensé

que c’était le livre qui franchissait

les siècles pour parvenir jusqu’à nous.

Jusqu’à ce que je comprenne

en voyant cet homme

que c’est le lecteur qui fait ce déplacement.

He doesn’t make his readers cross centuries, but an ocean. Laferrière brings us to Haiti, a moving trip in light of the January earthquake. The Haiti he dreamt of when writing the book is no longer there and the newly created absence of the subtle beauty he describes is poignant.

Dany Laferrière is the winner of the 2010 Blue Metropolis International Literary Grand Prix. A documentary on his life, followed by a discussion with him, will take place in French today, Saturday, April 24, at 4:30 p.m. For more information, visit http://metropolisbleu.org/Festival.

Mélanie Grondin is a writer and translator whose work has appeared in carte blanche, Room, Nashwaak Review and other literary magazines. Mélanie is also associate editor at the Montreal Review of Books.

To many — if not most – people, French-Canadian literature is based in the province of Québec. It resides in Montréal, most likely in the Plateau or HoMa. To many, French-Canadian literature bears the face of Michel Tremblay, Dany Laferrière, Monique Proulx or Nicole Brossard. But French-Canadian literature, like the French-Canadian diaspora, has its roots all over the country. From Vancouver to St. John’s, Canadians other than Québécois write in French, and for the last ten years the CBC has been honouring them.

Founded in 2000 by Sudbury’s local Première chaîne de Radio-Canada, Le Prix des lecteurs Radio-Canada was originally a literary prize for Northern Ontario’s Francophone literature. Becoming a provincial prize two years later, Le Prix des lecteurs Radio-Canada went Canada-wide in 2007.

Presided over by Arlette Cousture — officer of the Order of Canada and author of Les filles de Caleb and Ces enfants d’ailleurs, two highly popular book series — the tenth edition of the prize was launched on March 27 with the announcement of the five short-listed books. These cover most of Canada in terms of the authors’ residences, the locations of the publishers and the stories’ settings.

The finalists include L’archipel du Dr. Thomas by Françoise Enguehard and La cathédrale sur l’océan by Vittorio Frigerio, both published by Les Éditions Prise de parole, located in Sudbury, Ontario. Maritimers, Enguehard, who lives in St. John’s, and Frigerio, who teaches French literature at Dalhousie University, have set their novels in St-Pierre et Miquelon and in Halifax, respectively. Also short-listed are the novels Chambre 503 by Hélène Harbec, living in Moncton, Un chaos pour une étoile by Michèle Matteau, living in Ottawa, and the short story collection C’était écrit by Eileen Lohka from Calgary. From an architect whose life masterpiece is slipping from his grasp to a daughter who writes down her final moments with her father in his hospital room and a woman rediscovering love and friendship at 53 years of age, these books offer a glimpse into a French Canada so different from the one we are used to.

A wonderful occasion to discover Francophone authors hailing from the four corners of the country, Le Prix des lecteurs Radio-Canada also gives readers the opportunity to have their say. Though the prize is presided over by a well-known French-Canadian author, the jury is composed of everyday readers who are selected after a call for applications. Coming from British Columbia, Alberta, Ontario, Québec and New Brunswick, the current members of the jury will join the president in choosing the winning book, which will be announced on April 22.

While Montrealers are choosing the Blue Met events they’ll want to attend, eight readers from across the country are choosing which French-Canadian book from outside Québec deserves the tenth Prix des lecteurs Radio-Canada. To whet your appetite, excerpts of the short-listed books, along with synopses and each author’s bio, are available on the prize’s website at http://www.radio-canada.ca/regions/prixdeslecteurs/index.asp.

Mélanie Grondin is a writer and translator whose work has appeared in carte blanche, Room, Nashwaak Review and other literary magazines. Mélanie is also associate editor at the Montreal Review of Books.

Dans un monde où les téléspectateurs sont bombardés quotidiennement de télé-réalités remplies de belles gens qui aiment se montrer et se regarder, vient, de manière opportune, Huis clos. Écrite par Jean-Paul Sartre en 1943, la pièce reflète ce que Sartre appelle l’enfer : le besoin de se voir, de se définir et de se comprendre dans les yeux des autres.

Garcin (Patrice Robitaille) est mort et se retrouve en enfer. Le garçon d’étage (Sébastien Dodge) le guide vers une salle style Second empire où il n’y a ni instruments de torture, ni bourreau, mais où il devra passer l’éternité. Désarçonné, Garcin tente de cacher sa peur, mais l’enfer n’est pas ce à quoi il s’attendait : où sont le soufre, le gril, le pal? Entre ensuite Inès (Pascale Bussières), une lesbienne, une « femme damnée » selon les mœurs des années 1940, qui, au fond, n’est pas surprise de se retrouver en enfer. Le trio se complète à l’arrivée d’Estelle (Julie Le Breton), une riche mondaine qui se plaint que sa robe ne s’harmonise pas aux canapés et qui s’énerve quand elle se rend compte qu’il n’y a pas de miroirs en enfer.

De fil en aiguille, chacun des trois protagonistes se rend compte que les vivants les oublient et qu’ils n’ont que les deux autres pour se définir et pour se rappeler leur existence. Mais l’enfer de chacun n’est pas le fruit du hasard et chaque personnage se retrouve face à quelqu’un qui refuse de jouer son jeu : Inès ne se gêne pas pour traiter Garcin de lâche alors qu’il souhaite croire que sa mort était héroïque, Garcin n’est pas vraiment intéressé aux avances d’Estelle qui a besoin d’un homme et la présence d’Estelle tourmente Inès qui s’est damnée pour une autre blonde. Pris dans la perpétuelle tourmente de dépendre de l’autre, d’espérer son approbation, mais de recevoir son jugement, chaque personnage a bien raison de dire : « L’enfer, c’est les autres ».

Mise en scène par Lorraine Pintal, Huis clos est une pièce inconfortable qui rappelle les angoisses d’adolescence; âge auquel plusieurs personnes découvrent Sartre et s’intéressent à l’existentialisme. Le huis clos dans lequel se retrouvent les personnages est brillamment représenté par une cage suspendue au-dessus du vide laissé par les planches manquantes de la scène. La musique de Robert Normandeau, quant à elle, est métallique et sombre, créant une ambiance sinistre.

Dodge est lugubre en tant qu’omniprésent garçon d’étage, mais il est parfois difficile de sentir le désespoir des trois autres acteurs. Garcin, Inès et Estelle se dénudent, à la fois en racontant leur histoire et en jetant leurs vêtements dans le vide qui s’étale sous leur cage, mais jamais ils ne sont vraiment à nu. Le huis clos ne semble pas aussi enfermé qu’il devrait être. Seule la dernière scène, qui se joue à perpétuité, démontre bien la fatigue et l’exaspération des personnages.

Bien que Sartre pensait avoir écrit une pièce drôle, Huis clos est loin d’être réjouissante ou divertissante. Symbolisant l’existentialisme, la pièce est lourde, intellectuelle, mais importante et pertinente. Se détache-t-on vraiment jamais du regard et du jugement de l’autre?

Jusqu’au 10 avril 2010 au Théâtre du Nouveau Monde.

La fuite a lieu lorsque l’on ne peut ou ne veut plus lutter contre la réalité. Selon Henri Laborit dans L’éloge de la fuite, nous pouvons fuir de différentes façons : les drogues, la psychose, le suicide, la solitude ou l’imaginaire, mais comment peut-on continuer à fuir lorsqu’on est confronté par les méfaits de cette fuite?

François Dubé (Benoît McGinnis) se rend chez ses parents à Victoriaville pour amener son père Denis (Michel Dumont) à la Maison Jean Lapointe à Montréal. Arrivé, il retrouve son père, saoul, cachant sa bière derrière la poubelle, qui lui parle de la chaleur de l’été et qui ne répond pas aux questions de son fils qui cherche à comprendre pourquoi il a tant besoin de fuir. Claire (Louison Danis), la mère de François, n’a plus la force d’aider Denis et compte sur son fils, mais lorsqu’un drame survient, François découvre que sa mère aussi fuyait à sa manière et qu’il doit l’aider comme il a voulu aider son père. Fruit de son enfance, François ne peut fuir à son tour les déceptions et les frustrations qu’il relate entre les scènes. Il doit devenir le parent de ses parents.

Excuse-moi de Serge Boucher est la troisième pièce racontant l’histoire des Dubé après 24 Poses (Portraits) et Là. Mise en scène par René Richard Cyr, la pièce regroupe tant de talent — du dramaturge aux acteurs en passant par le décorateur, l’éclaireur, etc. — qu’on n’y trouve rien à redire et surtout rien à excuser. Dès les premières paroles, à la fois dites et non dites, Boucher capte notre attention et ne lâche pas prise. Autant Une maison face au nord de Jean-Rock Gaudreault, présentée au Théâtre Jean Duceppe plus tôt dans la saison, représentait le quotidien d’une façon qui n’engageait pas le spectateur, autant Excuse-moi représente ce même quotidien avec une émotion à fleur de peau et une pointe d’humour qui font en sorte qu’on ne veuille plus laisser ces personnages touchants et attachants.

L’utilisation de La violètera (version Charles Chaplin) comme leitmotiv musical est un choix astucieux qui consolide à la fois le pathos de la pièce tout en rappelant le côté optimiste de Charlot. De même, les décors sont ingénieux, illustrant la sphère du père et la sphère de la mère, qui existent simultanément, mais qui ne se touchent pas, ainsi que les limbes dans lesquels se retrouve François.

Une pièce solide, dont tous les aspects sont irréprochables, Excuse-moi est à voir absolument. Il est à espérer que le Théâtre Jean Duceppe remette en scène 24 Poses (Portraits) et Là (originalement présentée lors des saisons 2001–2002 et 2006–2007 respectivement) en conservant les mêmes acteurs, afin de donner à ceux qui n’ont pas eu la chance de voir les présentations originales l’occasion de découvrir d’autres aspects de la famille Dubé.

Excuse-moi joue au Théâtre Jean Duceppe jusqu’au 27 mars.

It’s always interesting when a story is published years after it was written—56 years later in the case of Hubert Aquin’s Les sables mouvants. Interesting because Aquin committed suicide in 1977, leaving it slightly unpolished, long before editors got their hands on the text.

Interesting because the translator Joseph Jones—librarian emeritus at the University of British Columbia—used the original typescript to do his translation; a typescript he comments on at the end of the book, pointing out typos, inconsistencies, and erasures.

Though the short story appears in a critical edition available to researchers, Ronsdale’s edition offers the general public Les sables mouvants in both French and English for the first time.

In a Naples full of “serenades, strolls at the port in the evening, the sun,” François awaits his lover Hélène. She’s leaving Paris the next day and will be in Naples the day after that. As he’s waiting, François thinks of their rather unhealthy relationship full of pushing and pulling and frustrations. Only the sex seems to be worthwhile. In fact, the sex makes up for everything else. Unhappy about his memories to the point of doubting some of them, François waits and waits, driving himself crazy until the time comes to meet Hélène at the train station.

Aquin—whose novel Next Episode won Canada Reads in 2003—deftly wrote Les sables mouvants in a first-person stream of consciousness, pulling us into François’s obsession. Indeed, though we may start the short story slowly, savouring the poetry of Aquin’s words—even risking feeling claustrophobic alongside François—we can’t help but speed up as the story progresses, as François becomes increasingly frantic.

The original French, however, is much, much better than the translation. Peppered with awkward sentences and mistranslations, the English text makes us stumble where Aquin’s original words uplifted us. Because the text is written in the stream of consciousness form, many of the sentences are short and to the point. These seem to be translator Joseph Jones’s specialty. But when sentences get more complicated, or verb tenses shift, Jones loses his footing. One of the most flagrant mistranslations occurs when Jones changes items of a simple list into direct objects: “Nous avons scellé un pacte en pleine nuit parce qu’il faisait froid, que nous étions pressés et que nous ne pouvions plus attendre…/We sealed a pact in the middle of the night because it was cold, that we were in a hurry and that we couldn’t wait any longer…”

Though sold as a novella, Les sables mouvants, at thirty-four pages per version plus notes and critical essay by Jones, is little more than a short story. A very good short story whose sex scenes (frank for the 1950s, mostly allegorical for 2010) and frenzy couldn’t be published in the Québec of its time.

Mélanie Grondin is a writer and translator whose work has appeared in carte blanche, Room, Nashwaak Review and other literary magazines. Mélanie is also associate editor at the Montreal Review of Books.

Choir music, like any other kind of music, has different genres. Though Handel’s Messiah, Beethoven’s Symphony No. 9 or Mozart’s Requiem may first come to mind when thinking of choir music, more contemporary pieces exist and are still composed today.

Some of these contemporary pieces — composed by Isaiah Ceccarelli and Karen Young — were premiered during VivaVoce’s first concert of the season Spotlight on Poetry. The concert, which featured French poems set to music, also included compositions by Renaissance composer Claude Le Jeune (who set some of Antoine de Baïf’s poems to music), Debussy (who was inspired by Charles d’Orléans), Paul Hindemith (who used six chansons by Rilke) and Quebec great Gilles Tremblay whom the SMCQ is currently honouring with a series of over 30 concerts. His piece made interesting use of Guillaume de Machaut’s « Mon coeur, ma sœur, ma douce amour » and Gaston Miron’s « Plus belle que les larmes ». Karen Young’s pieces — music set to two poems by Francine Hamelin — were commissioned by VivaVoce, which makes it a point to do this for at least one new piece every year.

VivaVoce is a small (13 singers in all), but strong note hidden in a Montreal full of music. Music lovers, particularly lovers of choir music, must discover this ensemble. Neophytes will particularly enjoy the performances because their approach to giving concerts is completely different, and Peter Schubert, VivaVoce’s Artistic Director and conductor, has found a great way to amuse and educate the audience while ensuring its enjoyment of the show.

Indeed, throughout the concert, Schubert regularly steps up to the microphone to explain the pieces the choir will be performing, pointing out certain vocal passages and having the ensemble demonstrate said passage. Thus, did we learn how Gilles Tremblay’s apparent cacophony in his Espace du Coeur worked, enabling listeners to appreciate the piece all the more. From seemingly discordant sounds, the passages became a siren song, drawing the audience in for a closer listen.

Furthermore, in Spotlight on Poetry, Schubert was aided by local poet José Acquelin whose reading of some of the performed poems was soothing. What an experience it was to have a poem read with a voice that so visibly loves words and then to feel that same poem surround us through music.

Being particularly fond of medieval and Renaissance music, I look forward to their next Gospel Music, Renaissance Style, which takes a look at the Gospel motet. And though I know very little of Victorian choir music, I’m certain to learn a lot during Melodrama and Sentiment.

This is not your local church choir. Composed of professional singers only, VivaVoce — finalist for Opus Prizes in two categories in 2007–08 — is a powerful and mesmerizing choir ensemble that will participate in the Montreal Baroque Music Festival for the very first time.

Gospel Music, Renaissance Style, March 26 at 7:30 p.m. Redpath Hall, 3461 McTavish Street. Melodrama and Sentiment, June 5 at 7:30 p.m. Tanna Schulich Hall, 555 Sherbrooke Street West. For more information, visit VivaVoce.

Pour ceux qui s’ennuient du Festival Juste pour rire, deux occasions de première qualité sont offertes pour se dilater la rate : Le Bourgeois gentilhomme de Molière, mis en scène par l’incomparable Benoît Brière, et La Princesse Turandot, une adaptation libre de la pièce de Carlo Gozzi et de l’opéra de Puccini par Hugo Bélanger.

Dans Le Bourgeois gentilhomme, M. Jourdain (Guy Jodoin) est un bourgeois, un marchant de draps prospère, qui veut devenir noble au point de s’en rendre ridicule. Naïf et convaincu qu’il se porte comme un gentilhomme, M. Jourdain fait des pieds et des mains pour impressionner les nobles qu’il côtoie et qui l’abusent.

Cette comédie-ballet, sans doute la pièce la plus connue de Molière, est jouée avec un plaisir indéniable par des comédiens dont les talents ne font plus aucun doute : Sylvie Léonard dans le rôle de la Marquise que M. Jourdain veut pour amante; Denis Mercier, Monique Spaziani, Alain Zouvi et plusieurs autres. De plus, la mise en scène de Benoît Brière, qui a lui-même joué M. Jourdain lors d’une présentation du Bourgeois gentilhomme dans le cadre du Festival Juste pour rire en 1995, ne laisse rien à redire. On voit bien sa touche dans toutes les mimiques des personnages, dans toutes les scènes, particulièrement la scène turque où M. Jourdain se voit octroyé le titre de « Mamamouchi », la plus haute noblesse turque, selon ceux qui veulent le berner. Toujours aussi populaire qu’en 1670, la pièce est à voir absolument.

En même temps, à la salle Denise-Pelletier, Hugo Bélanger du Théâtre Tout à Trac a adapté et mis en scène La Princesse Turandot, une pièce à la fois dramatique et comique qui retourne aux sources du conte. Vide de message particulier, la pièce raconte simplement l’histoire de la princesse Turandot (Maude Desrosiers), princesse chinoise d’une beauté bouleversante, dont tous les hommes tombent amoureux. Or, la princesse ne veut pas se marier de peur de devenir l’esclave de son mari. Elle décrète donc que quiconque veut la marier doit résoudre trois énigmes. Au lever du rideau, quatre-vingt-dix-neuf princes ont déjà échoué.

La Princesse Turandot offre au spectateur une combinaison magique du théâtre oriental et occidental. Le centième prince à tenter l’impossible (Martin Vachon), héros du conte, et quatre autres personnages viennent d’Italie et ces derniers jouent une commedia dell’arte réjouissante. Même le Nessun Dorma de Puccini, chanté par Tartaglia (Carl Poliquin) et Truffaldino (Eloi Cousineau), tourne en comédie. Combiné à cette commedia dell’arte occidentale est le théâtre oriental : les ombres chinoises et l’opéra chinois où les comédiens bougent en dansant et en faisant d’amples pantomimes. De l’arlequin qui amuse le public avant le début de la pièce aux instruments de musique chinois qui donnent le ton au jeu des comédiens en passant par l’éclairage éloquent, tout capte l’imaginaire et l’attention des spectateurs.

Ces deux pièces sauront divertir toute la famille et introduire les plus jeunes à la magie du théâtre. Comme dirait sans aucun doute M. Jourdain : « Tous les gens de qualité y vont. »

La princesse Turandot joue à la salle Denise-Pelletier jusqu’au 17 février 2010. Le Bourgeois gentilhomme joue au Théâtre du Nouveau Monde jusqu’au 13 février. Un spectacle-bénéfice pour la Fondation CHU Sainte-Justine sera présenté au grand public le 30 janvier à 11 h.
Photo : Marc-Antoine Duhaime

L’éolienne, ce grand totem, cette croix biscornue, est le symbole de durabilité, de technologie verte, de la tentative la plus récente à toucher le Ciel. L’éolienne est le symbole de la foi d’Antoine (Luc Bourgeois) en la science; symbole qui n’est pas sans failles.

Une éolienne ne tourne pas rond. Antoine, jeune ingénieur ambitieux, arrive en Gaspésie pour régler le problème. Il demeure dans une vieille maison inhabitée située au pied du champ d’éoliennes. Le travail prendra une semaine ou deux, dit-il à sa conjointe Laure (Catherine-Anne Toupin) restée à Montréal, mais les semaines deviennent des mois et Antoine ne trouve pas le problème; toute la mécanique fonctionne bien, mais l’éolienne est défectueuse. Il en va de même pour ses tentatives de procréation avec Laure : tout fonctionne, mais elle ne tombe pas enceinte. Lors de son séjour en Gaspésie, Antoine rencontre Jeanne d’Arc (Danielle Proulx), la propriétaire de la maison, Liang (Mélodie Lapierre), sa nièce de 13 ans, et Clément (Dany Boudreault), le fantôme de l’oncle de Jeanne d’Arc dont la présence cause les perturbations qu’Antoine ne peut expliquer.

L’espérance de vie des éoliennes, la première pièce du jeune dramaturge Sébastien Harrisson à être présentée chez Duceppe, est une pièce qui se veut profonde et qui prétend réfléchir sur la direction que prend le Québec. Alors que le vent, jadis, tournait vers la religion, il tourne maintenant vers la technologie, mais est-ce que celle-ci est vraiment meilleure que les dogmes religieux d’antan?

L’espérance de vie des éoliennes contient des causes et des effets dont les liens ne sont pas clairs, et même, à force d’y penser la logique de la pièce s’effile quelque peu. Clément, qui semble être la réflexion de Liang, apparaît pour la première fois lorsqu’elle découvre son ancien carnet de poèmes alors qu’elle fait le ménage de la maison avant l’arrivée d’Antoine. Or, si Clément apparaît pour la première fois la veille de l’arrivée d’Antoine, comment expliquer que la présence de Clément rende l’éolienne défectueuse si celle-ci était déjà défectueuse avant son apparition?

La mise en scène de la pièce, par contre, est merveilleuse. Particulièrement les scènes où Antoine parle à Laure par Skype et où l’image de Laure est projetée sur le mur derrière Antoine. Le contraste entre la musique des vieux vinyles qui berce Liang et celle de Skype met l’accent sur les méfaits de la technologie, de la logique et de la « surréflexion ». Tout en disant que la religion comme la technologie éloigne les gens de Dieu, la pièce affiche une nostalgie sans équivoque pour « le bon vieux temps » où la simplicité et les contacts humains régnaient.

Le jeu des acteurs était irréprochable, particulièrement celui de la jeune Mélodie Lapierre et de Catherine-Anne Toupin qui a su séduire à travers une projection.

Troisième pièce québécoise de la saison, L’espérance de vie des éoliennes prêche par l’exemple : peu importe si ce n’est pas logique; il suffit d’avoir la foi.

Jusqu’au 6 février au Théâtre Jean-Duceppe.

Northern Ontario, 1940s. Most of the men are off to war while women from across Canada migrate to Fort William to work in the plane factory. As The Factory Voice uses multiple narratives, many voices tell the story of Fort William Aviation, particularly those of the four main female characters, but only once voice truly stands out: Audrey’s. She is the factory’s distinctive voice. If Jeanette Lynes had used Audrey’s narrative voice throughout the novel, the book would have been unforgettable.

Ruby Kozak, former Fort William beauty queen, is head stenographer at Fort William Aviation. She believes she is destined for great things and dreams of becoming an investigative reporter. Waiting for her big break, she writes the factory’s newsletter The Factory Voice in the hope of finding a juicy story that will show the world what a great reporter she is. Audrey Foley is a strange sixteen-year-old who runs away from her small town and the ranch hand who wants to marry her. Even though Audrey is too young to work, Ruby hires her as snack-wagon girl and snoop. The only thing Audrey wants is to find out how the wings are fastened to planes. Muriel McGregor, a thirty-six-year-old spinster who only cares about science, is Chief Engineer, while Florence Voutilainen is the ugly duckling. Florence is fat, has bad teeth and big feet, and is on probation at the factory because her mother is against the war. While Ruby, Muriel, and Florence seek the usual happiness, fulfillment and maybe even love, Audrey, the quirky character whose voice is exceptional, is already quite happy being snack-wagon girl and gets a kick out of juggling muffins.

Though the setting of Jeanette Lynes’s first novel is unusual (how many novels are there about women working in a factory during World War II?), there is very little unusual about the characters (except Audrey): the beauty queen is a bitch who’s willing to do anything to achieve her glamorous career, the ugly duckling just wants to be loved and the nerd “makes the mistake” of listening to her heart. These and other characters intersect, bump into each other and influence each other, but the ties are hard to see. So much of the action is described after it actually happened that it’s difficult to feel and relate to events whose details are skimmed over. The mystery Lynes tries to create falls flat.

Despite its flaws, however, The Factory Voice is a fun book to read if we don’t ask too much of it. The writing is strong and Lynes has a wonderful way of playing with form.

Mélanie Grondin is a South Shore writer and translator whose work has appeared in Room Magazine, Soliloquies, Headlight Anthology, carte blanche and the Montreal Review of Books.

When Margaret Atwood’s 2003 novel Oryx and Crake ended, the Crakers had encountered two men and a woman. Snowman, back from his foraging trip at RejoovenEsense, went after them. Though he caught up with them and observed them sitting around a campfire from behind a bush, we never found out who these people were, and whether or not Snowman tried to make contact.

Now we know.

Atwood’s latest novel The Year of the Flood tells the story of other humans who survived the Crake-made Armageddon, particularly Ren and Toby, members of the religious cult the Gardeners who had long foreseen the flood. Through a series of long flashbacks, The Year of the Flood describes their lives before the flood, bringing readers up to speed with how they managed to survive said flood. The present-tense action truly begins on page 315, only to end abruptly—as abruptly and as open-ended as Oryx and Crake—a hundred pages later.

When Atwood decided, for the first time in her long-standing career, to write a sequel, she fell victim to the same disease that affected the Wachowski brothers. Though I don’t usually suffer from Matrix Syndrome (an instinctive and unfounded hatred of any replacement, sequel etc. which fails to fill the immense shoes of its predecessor), I can’t help but feel that The Year of the Flood is just filler. When readers (and movie-goers) encounter a creative new reality that resonates with them, they want to know more. But adding more to a brilliant, fascinating world usually dilutes it.

The reality Atwood created in Oryx and Crake was truly imaginative and scary because it was all very probable. As Atwood herself said, she didn’t invent anything, every technology she mentions already exists. In The Year of the Flood, we’re served so much more of that reality that we feel full and will probably refuse the next serving that will (alas) undoubtedly come.

While Oryx and Crake balanced the present tense and flashbacks perfectly, The Year of the Flood is almost exclusively in flashbacks, giving the feeling that no story is evolving. In fact, the fascinating world seems to trump the story entirely. Furthermore, the story lines of both books meet at times (e.g., Ren meets Jimmy and Glenn at school), but sometimes the timeline seems off. For example, in Oryx and Crake, Jimmy’s mother leaves when he’s in school, but in The Year of the Flood, she seems to have left when he’s in college.

In the end, we do find out who the two men and the woman are. We also find out if Snowman reaches out to them or not. The Year of the Flood does bring us to that point, then a little further, then nothing. All we really wanted to know at the end of Oryx and Crake is in the last fifteen pages of the novel.

Mélanie Grondin is a writer and translator living on the south shore of Montreal. Her prose and poetry have appeared in carte blanche, Soliloquies, Headlight Anthology, Room Magazine and Nashwaak Review.

Qui crée réellement un roman? La personne qui couche l’encre sur le papier, le narrateur dont on utilise la voix ou les personnes qui ont inspiré ledit roman? Et qu’est-ce qui est, objectivement parlant, plus important : le texte ou l’auteur dont la photo affuble la couverture?

Ève (Violette Chauveau), la mère de Léo (Francis Ducharme), est écrivaine. Elle écrit pour ne pas disparaître après sa mort et pour donner un sens à sa vie. Elle écrit parce qu’elle est insatisfaite. Léo, narrateur de la pièce, voue une admiration sans bornes à cette mère qui n’a d’amour que pour ses mots. Tandis qu’il est l’enfant qui n’a pas fait quoi que ce soit de mal, sa soeur Justine (Sophie Cadieux) se fait remarquer par la rébellion. Devant cette femme forte de ses insécurités et de ses doutes, le mari Bruno (Yves Soutière) et les amis s’effacent de différentes manières.

Écrite par Evelyne de la Chenelière et mise en scène par Alice Ronfard, L’imposture se joue comme un roman : elle est séparée en chapitres et a un narrateur omniscient qui se veut objectif. De plus, la pièce est astucieusement intercalée d’une entrevue de Léo, auteur d’un premier roman intitulé Le roman de ma mere; un roman qui, bien qu’il parle de sa famille, n’est pas autobiographique, dit-il. Plusieurs scènes de la pièce, particulièrement la scène d’un souper entre amis qui a changé la vie des personnages, sont répétées sous un autre angle, donnant ainsi un autre point de vu à l’événement et semant le doute quant à la crédibilité de la narration.

L’utilisation de projections pour montrer l’entrevue ainsi que des extraits du livre Le roman de ma mere est particulièrement efficace et le décalage des décors est ingénieux.

Bien qu’elle soit un personnage énorme, prenant toute la place dans la pièce et dans la vie des gens qui l’entoure, Ève est sans nuances. Une femme composée et rigide dans ses croyances, elle articule comme il faut. Trop, même. En effet, le ton et le débit de Violette Chauveau sonnent faux et artificiels. Parfois sa prononciation change et sa voix semble plus naturelle, mais ces moments ressemblent plus à l’erreur qu’à l’art. En présence du trio Ève-Léo-Justine qui prend toute la place sur scène, les autres personnages sont on ne peut plus secondaires et oubliables, car, au bout de compte, ce sont seulement les mots du roman qui compte.

Pièce quelque peu philosophique sur la paternité (ou la maternité) d’une oeuvre et la nature de la relation entre l’auteur et le texte, L’imposture a aussi les allures d’un roman policier. En effet, le dénouement fait en sorte que l’on veuille revoir la pièce pour mieux comprendre les nuances du texte et du jeu des comédiens, pour pousser la réflexion et déceler les indices.
L’imposture joue au Théâtre du Nouveau Monde jusqu’au 12 décembre 2009. Billetterie: 514-866-8668

Le rire est à l’âme ce que le ménage du printemps est à la maison : il fait le vide et il satisfait énormément. Dans une pièce qui n’a pourtant rien d’une comédie classique, le rire — le rire incongru, le rire qui fait pleurer même — prend une grande place. Une place qui fait du bien.

Les parents de Mathilda (Émilie Bibeau) étaient les deux personnes les plus drôles au Brésil. Orpheline, Mathilda déménage aux États-Unis et devient femme de ménage chez Lane (Monique Spaziani) et Charles (Michel Laperrière ou Denis Roy). Elle veut inventer la blague parfaite afin de devenir humoriste. Mais Mathilda déteste faire le ménage, ce qui la rend triste et incapable d’inventer de blagues. La sœur de Lane, Virginia (Hélène Mercier), adore faire le ménage de façon maladive et puisque sa maison est propre à 15 h 12 et qu’elle n’a rien d’autre à faire, elle propose à Mathilda de faire le ménage chez Lane à sa place.

Tout va bien jusqu’à ce que Charles rencontre son âme sœur et quitte Lane. C’est là que le vrai ménage s’accomplit.

C’est dans le cadre de son cycle états-unien — cycle qui veut présenter des dramaturges américains contemporains — que Luce Pelletier, directrice artistique du Théâtre de l’Opsis, présente Une maison propre. Écrite par Sarah Ruhl et finaliste du prix Pulitzer en 2005, la pièce montre la famille américaine reconstituée, à travers les yeux d’une étrangère, sous tout son humour et son drame.

Le texte, traduit par Fanny Britt, offre un équilibre parfait entre l’humour et le drame. Comment ne pas sentir la douleur de Virginia qui ne sait quoi faire de sa peau, mais, aussi, comment ne pas rire de ses efforts exagérés à paraître heureuse? La solitude de chaque personnage qui essaie d’entrer en contact avec l’autre est poignante tout en étant présentée de façon hilarante.

La mise en scène de Martin Faucher est fantastique. En effet, le rythme de la pièce a le « timing » exact d’une blague parfaite et l’utilisation de l’avant et de l’arrière-scène est autant efficace que compétente. Les comédiens quant à eux (particulièrement les quatre comédiennes) offrent une prestation dynamique. Quoique Lane et Virginia puissent sembler caricaturées au début, leur personnage ne sonne pas plus faux que les personnes autour de nous qui ne sont pas honnêtes avec eux-mêmes. C’est seulement après avoir fait le ménage qu’elles deviennent vraies aux yeux de tous.

Un petit joyau caché au fond d’une salle minuscule d’une Place des Arts qui se fait une peau neuve (et qui aura besoin d’un sérieux ménage), Une maison propre est une pièce à découvrir. De même, Sarah Ruhl est une nouvelle dramaturge à observer.

Une maison propre joue à la Cinquième Salle de la Place des Arts jusqu’au 19 décembre 2009.